«Окружающий мир постоянно меняется, и архитектура меняется вместе с ним. Одна из наших основных задач на сегодняшний день: соблюдать  равновесие между современностью и традицией. Грань между традицией и новаторством очень тонка. Нужно понимать – то, что сейчас традиционно, когда-то тоже было современно.

Команда Pieranderei Associati

Будущее открывает невероятные возможности. Технологии, при правильном использовании, позволяют воплощать идеи, но при этом оставаться в гармонии с природой. В гармонии с природой – не только с точки зрения зеленых островков в городе, а в гармонии с ее законами, с окружающей средой.

Задача проектировщика разрешить конфликт между природой и архитектурой. Он должен быть сконцентрирован на функциональности, но учитывать при этом предыдущий опыт. Перед тем, как приступить к разработке проекта, мы проводим тщательное исследование. Нашу концепцию, даже наше мышление, можно выразить в понятии Product-service system. Оно объединяет в себе несколько понятий, которые в комплексе обеспечивают результат. Совместная работа стратегического дизайна, дизайна продукта, менеджеров проектов и непосредственно архитекторов.

Showroom Maserati

Мы давно сотрудничаем с фирмой Ferrari и Maserati. На сборку одного автомобиля Maserati уходит около месяца. Потенциальные покупатели могут наблюдать за процессом сборки. Для шоурума Maserati мы разработали платформу, на которую выезжает готовый автомобиль. Гигантский эллипс является так же выставочным пространством. Одновременно на нем может находиться 4 автомобиля и 15 человек.

Aquarium of Genoa

За проект лучше браться, не имея опыта в конкретной области. Так, вы находитесь в постоянном поиске, обучаетесь и стремитесь сделать лучшее. Так было с проектом Аквариума в Генуе. Это самый крупный морской зоопарк в Европе. Здесь живет много животных, а также действует музей. Многие посетители не обращают внимания на информационные стенды. Было решено затемнить свет в помещении, но подсветить экспонаты и информацию о них. Освещение меняется от количества человек, и зависит от рассказа экскурсовода. Нам удалось создать живое пространство, можно почувствовать движение волн и ощутить биение сердца.

Green Office

Наш знаменитый проект – разработка мебели для офиса. Мы длительное время изучали, как работает фирма, отмечали особенности коллектива. Стремились создать неповторимую и непринужденную атмосферу, которая поможет настроиться на работу. Мы решили отказаться от традиционной формы стола, убрали заостренные углы, ведь за одним столом часто собирается на «летучку» несколько сотрудников Четко выделили рабочую и личную зону, а цвет был выбран жизнерадостный – ярко зеленый.

Edificio residenziale – Milano

Этот проект мы назвали «Дом на дереве». У многих в детстве был такой домик, где мы чувствовали себя в безопасности. Чертежи здания и его концепцию мы разрабатывали совместно с биологами. Тут учтено все. Количество света, питание почвы, чтобы дерево могло расти, а птицы могли вить на нем гнезда.

My-lane

Изначально проект был разработан для Милана, но вскоре распространился на несколько  крупных городов Европы. Многие жители больших городов не мыслят своей жизни без ежедневных пробежек в парке. Из-за работы, отсутствия возможности переодеться, они не могут делать это так часто, как хотелось бы. Нами был разработан проект My-lane – платформа, которая находится в парке – своеобразная мобильная раздевалка и душевая. Место заранее бронируется на сайте. При желании можно воспользоваться услугами тренера или найти себе группу по интересам.

Вот несколько советов будущим дизайнерам, архитекторам и всем людям творческих профессий. Наша студия работает по таким же принципам.

• Откройте сознание для всего нового, стремитесь расширить свой кругозор.
• Не выделяйте одно направление в дизайне, ведь их работа вкупе гораздо эффективнее.
• Применяйте опыт других культур и профессий.
• При разработке новых объектов ориентируйтесь на человека, но не забывайте об окружающей среде».

Фрирайтингом как оказалось я пользуюсь давно. Просто я узнал об этом, когда впервые прочитал это слово в блоге Виталия Колесника. На днях купил книгу Марк Леви “Фрирайтинг: современная техника поиска креативных решений”. Появился повод обобщить собственный опыт и рекомендации автора.

Смысл фрирайтинга для меня заключается в сгущении и фиксации на бумаге собственных рассеянных мыслей. В специальной тетради я исписываю по две три страницы. Либо, по настроению, пишу с помощью компьютера. Обозначаю некую точку концентрации, которая не всегда выражается вопросом или проблемой. Порой это просто слово, от которого я начинаю писать.

Важно начать и писать, стараясь не останавливаться. Тогда предложения, словно вытаскивают из подсознания одну за другой идеи. Мне подобный способ помогает “озвучивать на бумаге” голос интуиции, находить решения, которые не лежат на поверхности, реанимировать любознательность и желание работать, когда нападает хандра.

Леви приводит 6 секретов фрирайтинга.

1. Не прилагайте сверхусилий.

Для меня это выражается отсутствие какой-либо конкретной цели выписывания. Я лишь уверен по опыту в полезности для меня этого занятия. Оно для меня вспомогательно.

Ограничиваю себя либо временем, либо объёмом. В приложении Write or die задаю показатели 700 слов за 20 минут. Когда пишу в тетради, стараюсь заокончить страниц. Если не пишется, ограничиваюсь одной, двумя.

Важен процесс, а не результат, поэтому расслабиться и снизить значимость занятий удаётся легко.

2. Пишите быстро и непрерывно.

Это действительно интересная особенность фриирайтинга. Надо стараться не останаваливаться. Когда не знаю, как продложить предыдущее предложение, я начинаю писать то, что ощущаю в данный момент. “Опять пошёл снег и кажется холодает”. “Сосед через стенку, постучи себе по голове этим молотком”. “На фига я всё это пишу” – это только часть мыслей которые промелькнули сейчас в моей голове, когда я решил подыскать примеры 

3. Работайте в жёстких временных рамках.

Я уже упомянул про приложение Write or die. Иногда я устраиваю супер-жёсткий фрирайтинг, выставляя цель написать 1000 слов за 20 минут.

Может показаться, что эта рекомендация противоречит первой. Это не так. Лимит времени позволяет запустить процесс “цепляния” одного предложения за другое. Если не торопитсья и делать большие паузы на раздумья, пропадает инерция, выталкивающая из подсознания идеи.

4. Пишите так, как вы думаете.

Фрирайтинг – это не писательство в чистом виде; это способ отслеживания своего мыслительного процесса.

Совет выполняется легко. Мне для этого достаточно не думать о том, что мой текст кто-то будет читать.

5. Развивайте мысль.

Опять же просто цепляйте мысль за предыдущее. Я часто пользуюсь методом 5 почему.

6. Переориентируйте своё внимание.

Переключатели внимания – это простые вопросы, которые вы задаёте самому себе (в письменной форме), чтобы переориентировать разум на неисследованные элементы ситуации.

Я использую этот приём, когда анализирую какое-либо событие или день в целом. После прочтения книги Марка Леви стал составлять свой список таких вопросов. Из привдённых в книге взял следующие:
- как можно сделать это захватывающим?
- как увеличить ценность?
- чего мне здесь не хватает?
- в чём я здесь ошибался?
- с какими ещё проблемами, подобными этой я сталкивался?
- какие решения проблем, имевших место ранее, можно использовать пирменительно к этой?
- если бы я хотел допустить здесь грубую ошибку, чтобы я сделал?
- какими необходимыми данными я здесь не располагаю?
- как мне лучше использвоать информацию, которой я уже располагаю?

Эффективные приёмы

Привожу лишь те, которыми пользуюсь сам.

Используйте лист бумаги для рассмотрения неординарных точек зрения и сведения вместе идей, которые, казалось бы, не сочетаются друг с другом.

Давайте наводки мышлению

Вы начинаете сеанс не с того, что придёт в голову, а с конкретной фразы (её и называют наводкой), определяющей направление письма.

Проще обрести сто идей, чем одну

Очень напоминает квоту идей из книг Майкла Микалко и списки 100. Пишем возможные решения и идеи, не критикуя и не оценивая их выполнимость.

Проведите беседу на бумаге

Это упражнение используют в коучинге, когда предлагают клиенту представить беседу с воображаемым собеседником. Здесь всё тоже, вы лишь стенографируете беседу.

Чтобы эффективно провести беседу на бумаге, вымышленный разговор с кем-то, в ходе которого вы узнаете, что воображаемый собеседник думает о вашей ситуации, нужно сделать две вещи: 1) нарастить на персонаж “мясо” (ясно представить его) и 2) сделать так, чтобы собеседник побудждал вас говорить (отвечать на его короткие и открытые вопросы).

Эти фразы должны быть короткими и логически открытыми. “Две вещи, которые я мог бы сделать сегодня, чтобы моя жизнь стала более интересной…”

Используем допущения, чтобы выбраться из тупика

Дайте письменные ответы на следующие 4 вопроса.

1. Какую проблему я пытаюсь решить?
(Желательно, чтобы формулировка носила общий характер. Ненужно конкретики. Вот примеры хороших формулировок проблемы общего характера: “Как мне создать постоянный контингент поклонников чего-то малоизвестного?”, “Как продавать продукт клиентам, которые ошибочно считают, что имеют полное представление о товаре?”, “Как мне сократить расходы, увеличив при этом охват?”)

2. Кому приходилось решать подобную проблему?
3. Как её решали?
4. Как их решение можно использвоать применительно к моей ситуации?

Писательский марафон

Непродолжительный сеанс фрирайтинга поможет вам найти ответы. Но чтобы получить действительно свежие мысли, попробуйте выполнить серию таких сеансов общей продолжительностью в несколько часов. Позаботьтесь о том, чтобы каждый сеанс начинался в новом направлении — даже если оно представляется неестественным и сложным.

Я подобным образом работаю над большими статьями и когда сажусь за свою книгу. Например на сегодня у меня запланировано 5 “подходов” к книге по 20 минут каждый.

Понравилась идея с “говорящим” письмом.

Перенося на бумагу то, что вы думаете и чувствуете (даже если у вас нет полной уверенности в том, что думаете и чувствуете), вы только выигрываете. Делясь с кем-то своими незаконченными мыслями, вы тоже только выигрываете. Говорящий документ помогает придать форму мыслям и поделиться ими с другим человеком.

Чтобы создать такой документ, можете воспользоваться одним из двух способов (или же их сочетанием): напишите письмо другу или коллеге о том, над чем вы размышляете; составьте коллаж из фрагментов фрирайтинга. Убедитесь заранее, что у человека, которому вы пишете, есть желание (и время) прочитать ваш документ. Скажите ему, какого рода обратную связь хотели бы получить.

“Истории случаются только с теми, кто умеет их рассказывать” Лу Уиллетта Станек

“Фрирайтинг: современная техника поиска креативных решений” – отличная книга, которую надо постоянно держать на столе. Сразу после неё я взялся за “Writing with power” Peter Elbow. Думаю до нового года поделиться полезным, которого наверняка найду немало в этой кнгие.

Вот ссылки на другие посты автора:

Во что превратились мои утренние страницы
Тени смысла на повседневности
“Быстрописание” и “группировка мыслей” расчищают путь для творчества
Направляющие вопросы для утренних страниц
Утренние страницы вслепую
Утренние страницы с идеями
Списки 100 и много других дневниковых техник
Имидж-стриминг, выбалтывание себя
“Выбирать цели” вместо “ставить”
Новое название старого пристрастия
Автокоммуникация
Будущее настоящее время

Если вы хоть немного знакомы с навыками сухого валяния, вам будет интересно попробовать свои силы в изготовлении маленькой куколки размером всего 6 см. При некотором  упорстве вам удастся «обуздать» такой на первый взгляд неподходящий для миниатюры материал, как шерсть.

Исключительно важно уделить внимание подготовительному этапу – тщательно продумать образ будущего персонажа и нарисовать его эскизы в нескольких ракурсах. Живые эмоции на личике, динамичная поза, говорящие жесты, забавные дополнительные аксессуары – вот что сделает вашу куколку по-настоящему уникальной. Интересная идея может компенсировать недостаточно идеальную технику исполнения, а наоборот – едва ли. Кроме того, эскиз поможет вам убедиться, что готовая куколка будет устойчива и не «завалится», что у нее достаточное количество точек опоры, а центр тяжести расположен правильно, что никакие части тела не мешают ей сидеть (стоять, лежать и т.д.) Планирование куколки не только повышает ее художественную ценность, но и решает вопросы физики.

Наш персонаж – малыш Колорадский Жучок, который задувает свечку на своем именинном торте. Его щечки будут смешно надуты, а губы вытянуты в трубочку.

Полезно вылепить головку будущей игрушки из пластилина. Это поможет Вам быстро «отрепетировать» все этапы валяния головки из шерсти и увидеть в объеме тот окончательный результат, к которому нужно стремиться.

Для валяния вам потребуется: шерсть нескольких цветов (светло- и темно-коричневая, песочная, сливочная, черная), иглы (тонкая звездчатая и толстая), две пуходерки (их можно купить в обычном  зоомагазине), щетка (специальная для валяния или обычная одежная с плотной высокой синтетической щетиной).

Прежде чем приступить к работе, я рекомендую немного  затупить иглу-звездочку. Это необходимо для того, чтобы слегка стесать зубчики на игле и тем самым уменьшить количество шерстинок, которые игла протаскивает в толщу войлока. Наш инструмент должен соответствовать калибру изделия, обрабатывая поверхность тонко и деликатно. Пальцами неплотно зажмите иглу на уровне зубчиков в кусочке наждачной бумаги зернистостью 600-800 и несколько раз покрутите иглу вокруг своей оси. Периодически проверяйте качество иглы –  она должна входить в шерсть с меньшим сопротивлением, чем новая, оставляя почти незаметную «ямку».

При валянии головы из шерсти нужно руководствоваться теми же принципами, что и при лепке головы из глины. Все крупные объемы (в нашем случае нос, щеки и губы) приваливаются к основе (черепу) как отдельные части.

Шерсть основного светло-коричневого цвета нужно тщательно перемешать с помощью пуходерок. Для будущей головы сваливаем шарик, на поверхности которого немного углубляем глазницы. Для самых начальных этапов валяния используем толстую иглу, но далее вся работа выполняется тонкой звездчатой иглой. Заготовка должна остаться достаточно рыхлой, чтобы на нее можно было без следов привалять части лица. Не беда, если вы взяли слишком мало шерсти, главное, чтобы ее хватило на лицевую часть головы, а на затылок и макушку шерсть можно добавить позже. Нос и рот-трубочку нужно свалять плотно, выровнять поверхность иглой до идеальной гладкости, но  обязательно оставить в основании хвостики несвалянной шерсти.

Для щечек нужно сделать два одинаковых рыхлых шарика. С помощью булавок свалянные детали и бумажные глазки примеряем  на лице, чтобы убедиться, что все идет по плану, все части пропорциональны, и для них достаточно места. Последовательно приваливаем щечки и губки.

Нос вначале пришиваем мононитью, подцепив снизу  примерно за середину, чтобы он не оттопыривался,  а затем приваливаем переносицу, постепенно еще более углубляя и оформляя глазницы. Теперь, когда лицо уже более-менее сформировано, наращиваем затылочную часть головы до нужного размера. Из более темной коричневой шерсти, тщательно перемешанной пуходерками, пальцами формируем тонкий «блинчик» с почти прозрачным краем, который, как шапочку, приваливаем к верхней части головы. Желательно добиться постепенного перехода цвета от темного к светлому.

Чтобы сделать на поверхности четкий контрастный рисунок, небольшое количество черной шерсти надо мелко порвать (не нарезать!), пальцами сформировать пятнышко нужной формы и привалять к голове, не погружая иглу слишком глубоко в толщу войлока. Важно убедиться, что все элементы рисунка располагаются симметрично относительно центральной оси головы. Особенно тщательно обрабатываем иглой границу пятнышка, стараясь сделать ее ровной и четкой.

После того, как все части и рисунок заняли свои места, можно окончательно выглаживать поверхность войлока. По мере валяния формируем тонкие рельефы и объемы – бороздки на макушке и затылке, надбровные дуги, глазницы, височные впадины. Уколы иглой не должны быть слишком сильными и глубокими, достаточно погружать иглу в толщу войлока только до уровня зубчиков. Даже на идеально выглаженной поверхности остаются торчащие ворсинки, но с ними легко справиться с помощью тонких маникюрных ножниц.

Чтобы подчеркнуть рельефы на поверхности, немного затонируем  головку сухой пастелью. Для тонировки вам потребуется: жесткая синтетическая кисть, сухая пастель нескольких цветов (немного светлее и темнее шерсти основных цветов и черная). Наносите порошок постепенно, маленькими порциями, ведь вопреки общей уверенности лишнюю пастель стряхнуть с шерсти уже не удастся.

Тонируем по принципу – выступающие части светлым, углубленные части темным. Немного светлой пастели наносим на надбровные дуги, губки, кончик носа, щечки, темной пастели можно не пожалеть в глазницы и внутрь ротика.  Черной пастелью при необходимости подправляем огрехи на черных пятнышках.

Когда головка полностью готова, из пластики (запекаемой или самозатвердевающей) делаем глазки, черным маркером рисуем на них зрачок и покрываем несколькими слоями глянцевого лака. Имейте в виду, что далеко не всякий лак подходит для пластики. Лучше использовать уже проверенные и хорошо зарекомендовавшие себя наименования, к примеру, Tikkurila Parketti-Assa глянцевый. Готовые глазки вклеиваем в глазницы с помощью секундного клея Супер Момент-гель.

Туловище для будущей куколки валяем аналогично голове. Вначале делаем рыхлую основу из светло-коричневой шерсти, затем на спинку приваливаем «блинчик» темно-коричневой, на животик – песочной шерсти. После этого доваливаем туловище окончательно: оформляем животик, пупок, тщательно выглаживаем поверхность иглой, обстригаем торчащие ворсинки, немного тонируем сухой пастелью животик и пупок.

Для плоских деталей – переднеспинки и пары надкрылий – из тщательно перемешанной пуходерками шерсти делаем тонкие «блинчики». Для переднеспинки используем шерсть светло-коричневого, для надкрылий – сливочного цвета.  (Чтобы парные детали получились одинакового размера, комок шерсти предварительно разделяем на две равные части.)  Немного проваливаем «блинчики» на щетке.

Затем подгибаем края, создавая нужную форму,  с тем расчетом, чтобы деталь была в 1,2-1,5 раза больше желаемого окончательного размера. Валяем деталь, периодически ее переворачивая, проходим иглой по краю, формируя нужные изгибы.

Пока деталь еще достаточно рыхлая, приваливаем рисунок из черной шерсти. Точки на переднеспинке делаем так же, как и на голове, из мелко порванной шерсти, а полоски на надкрыльях – из тонких перекрученных тяжей шерсти.

После того, как рисунок нанесен, тщательно выглаживаем иглой верхнюю поверхность, дополнительно валяем детали «по-мокрому», придаем им сложную выгнутую форму, высушиваем, обстригаем торчащие ворсинки, при необходимости немного тонируем пастелью.
Все детали жука готовы.

Чтобы удостовериться, что все идет по плану, собираем жука на булавках. Обратите внимание, не выдаются ли надкрылья за пределы туловища, не мешают ли жуку сидеть, совпадают ли изгибы переднеспинки и надкрылий, правильно ли наклонена голова, где располагается точка соединения головы и туловища.

Голову пришиваем на прочные нитки (к примеру Gutterman для джинс), чтобы она осталась подвижной. Протыкаем туловище в середине спинки, в том месте, где стыкуются переднеспинка и оба надкрылья, и выводим иглу в точке соединения туловища с головой. Подцепляем голову одним стежком насколько возможно глубоко и возвращаем иглу обратно в исходную точку на спинке туловища. Повторяем операцию еще раз в том же порядке, но голову подцепляем в направлении, перпендикулярном первоначальному. Усаживаем голову в нужном положении, слегка наклоненном, затягиваем нить, завязываем узелок, хвостики ниток прячем в толщу войлока. Переднеспинку и надкрылья пришиваем мононитью. Иглу вводим в той же точке на спинке туловища, в нескольких местах соединяем край переднеспинки и туловище, надкрылья пришиваем только за передний край, чтобы они остались свободны и подвижны. После соединения всех деталей выводим иглу в исходной точке. Место с узелками заваливаем  крошечным комочком черной шерсти.

Конечности делаем из проволоки, обмотанной мулине. Как сделать изящные ручки и ножки я расскажу в подробностях  и с картинками в следующий раз.

Жук готов. Осталось дать ему в руки кусок именинного торта с горящей свечкой.
С днем рождения, малыш!

Больше работ автора можно будет увидеть на выставка «Время кукол«, которая уже завтра откроется в  выставочном центре Санкт-Петербургском Союза  художников, по адресу Большая Морская, 38.

Выставка работает с 15 по 18 декабря 2011.

Финский мастер графического дизайна Kari Piippo на днях прочитал лекцию «Visual Thinking» в петербургском  Институте Финляндии.

Кари Пииппо оказался очень открытым человеком, в начале своей лекции он показал несколько фотографий, рассказывающих о его жизни. Заядлый рыбак, Кари продемонстрировал фотографию своего самого большого улова.  Как истинный финн, он не смог не похвастаться своей страной – краем озер и лесов, государством, которое чтит природу и заботится о ней. К тому же, в 2012 году Хельсинки станет мировой столицей дизайна. Кари выделил самых знаменитых финнов: Санту, семью Мумми-Троллей – героев сказки Туве Янсон, и птичек из игры Angry Birds.

Предпочтения

На творчество Кари Пииппо повлияли многие именитые художники, архитекторы прошлого и современности. Анри де Тулуз-Лотрек  – плакат этого художника стал первым в комнате Кари. Любимый художник – Анри Матисс – простота инструментов и собственный мир. Пабло Пикассо, Миро, Мондриан, Альвар Аальто. Многие творцы повлияли на мировоззрение дизайнера.

Иллюстрации

Иллюстрации – основа дизайна, считает Кари. Более 500 иллюстраций для книг  и популярных финских журналов принадлежат ему.

Моделями для его работ стали члены семьи и близкие друзья. Например, иллюстрацию для романа Стивена Кинга он рисовал со своего отца. А вот, чтобы нарисовать коров, пришлось потрудиться, потому что Кари живет в городе и моделей пришлось долго искать.

Записки в блокноте

Художник признается, что почти всегда делает зарисовки в блокноте и своих студентов приучает к этому.

«На моих занятиях студенты всегда имеют дело с карандашом и бумагой. Ничего другого, чтобы выразить мысль не нужно. А вообще я не советовал бы злоупотреблять компьютером и интернетом – сами того не замечая, мы ловим идеи,  которые лежат на сетевой поверхности и уже не можем создать ничего уникального».

Его блокнот – своеобразный дневник, каждый день приносит новые идеи и впечатления. Зарисовки Кари всегда делает очень быстро, затрачивая на них максимум 15 минут. Вот, например, зарисовка собаки. Или здание в Китае во время реконструкции.

Логотипы и штампы

Логотипы для разных компаний – основная часть работ Карри.

К дате вступления Финляндии в Евросоюз, Карри подготовил серию почтовых марок Suomi. А для одного из ресторанов Кари разработал логотип, вдохновившись цветком хмеля.

Цвета

Кари отмечает, что хороший дизайн, как радуга: «Ты можешь использовать все цвета спектра, или идти вдоль одного из них».

Кстати о цветах, свои работы Кари всегда начинает рисовать в черно-белой гамме, а уже потом раскрашивает, если это необходимо. Он признается, что очень любит цвет и собирает необычные цветовые сочетания по всему миру.

Плакаты

Плакат к 15-летию музея плаката в Лахти полностью соответствует лозунгу Кари: «Плакат  должен быть таким – простым, ясным и острым».

Вот, пример, плаката, разработанного к музыкальному фестивалю, посвященному Эдит Пиаф.

А этот плакат сделан к Олимпийским играм. Зеленое пламя – забота об экологии.

Плакат к фестивалю балета, который проходил в 1995 году. На нем присутствовала сама Майя Плисецкая. Он тогда проходил в первый раз, сейчас фестиваль  традиционный для города Миккели.

Плакат «Istanbul».  Дизайнеры должны были нарисовать город Стамбул, как они его себе представляют.

Эта работа посвящена 20-летию  Чернобыльской катастрофы. Изображает саркофаг вокруг реактора.

Плакат к выставке работ Фриды Калло.  Здесь Кари соединил кисть и цветы.

Мысли, воплощаемые визуально в графической форме, должны всегда находить новый путь для выражения. Чтобы правильно их выразить дизайнер должен понимать, что творится в мире. Потому, что лучшие идеи подсказывает сама жизнь.

Человек на лекции было не очень много, зато среди них были и профессионалы, и любители, и просто те, кому по душе нестандартные дизайнерские решения. Лекция – мастер-класс стала возможна благодаря Мите Хоршаку, который предложил идею своеобразного культурного обмена посольству Королевства Нидерландов, которое эту идею с удовольствием и поддержало.

Let’s start

«Оказывается, что 4-е ноября в России – национальный праздник. Спасибо, что решили провести этот вечер выходного дня с нами, – Алекс и Карин сидят рядом с большим экраном, на котором идут снимки из семейного фотоархива «Lesley Moore».

Мы – маленькое дизайн–агентство, где работает всего два человека, я и Карин», – рассказывает Алекс. »Иногда у нас бывают практиканты из разных стран, которые знакомятся с нашей культурой и нашими методами. Сегодня мы покажем Вам 8 наших работ, но сначала о наших вдохновителях».

Strip/Tease

- Нет, раздеваться мы не будем, не знаю, огорчит это кого, или обрадует. Strip/Tease – слово, которое наиболее точно подходит к нашему методу работы. Когда мы работаем над проектами, то стараемся отбросить шелуху, отказываемся от ненужного. А слово «tease» – это привлечение заказчика. Мы даем возможность зрителю достроить в воображении нашу работу, совместить ее со своим представлением. Когда он вовлечен в процесс восприятия, то и смысл лучше доходит.

Из всех, кто так или иначе оказал на нас влияние, мы выбрали троих.

Архитектор Mies Van der Rohe – крестный отец  студии. Ему принадлежит слоган «Less is More». Немного переставив буквы и поиграв со звучанием, мы придумали наше название «Lesley Moore».

Мы ценим творчество этого архитектора в первую очередь за его вызов стереотипам. В 40-50 гг. в США он спроектировал дом, где сумел отойти от клише. Он редуцировал треугольную форму дома, до двух горизонтальных линий и создал пространство насыщенное светом, благодаря двум горизонтам и прозрачным стенам.

Другой вдохновитель -  немец  Dieter Rams. Концепция его творений «Less But Better». Он сумел уменьшить количество элементов на своих объектах, оставив только необходимое. Он создал «дружелюбные» вещи с понятным и простым интерфейсом. Его идеи вдохновили также создателей Apple.

Художник из США Sol Lewitt. Этот концептуальный художник близок нам тем, что так же,  как и мы работал в условиях жестких ограничений. Только он сам специально придумывал себе условия и рамки. Многие из его работ было бы невозможно воплотить без этих ограничений.

Теперь мы покажем Вам непосредственно наши работы.

Logo Machine

Начав работу, мы столкнулись с необходимостью создания узнаваемого логотипа. Но наше агентство не большая корпорация  и не бренд, как, например, Coca-Cola или Nike. Наше лицо – наши работы. Поэтому мы и создали нашу ЛогоМашину, чтобы каждый посетитель сайта смог разработать нам логотип. Мы использовали для этого буквы названия и базовые графические элементы. Конечно, нам нравятся не все придуманные логотипы, но каждый мы используем всего лишь один раз, так что наше мнение не так важно. Уже создано более 3 тысяч логотипов, их даже можно классифицировать по группам: спортивные, праздничные, рождественские.

Rietvelds Universum

Мы часто работаем для Центрального музея г. Утрехта. Эта работа была посвящена ученому Герриту Ритвельду, который разработал в 1919 году знаменитое сине-красное кресло. В музее готовилась его экспозиция, а мы придумывали плакат. Решено было взять за основу знаменитое кресло. Мы подсветили точки-окончания ножек, спинки, подлокотников. Таким образом, у нас получилось два вида постера: дневной и вечерний. Днем по точкам можно лишь догадаться, что изображено. А вечером, когда включается подсветка, проявляются контуры кресла.

Curved/Straight

Здесь мы оформляли выставочное пространство.  Работать пришлось в условиях жестких ограничений. Девиз выставки гласил: «The wall is the landscape» («Стена – это ландшафт»). Чтобы реализовать ландшафт на стенах мы использовали всего два трафарета: прямая линия и изогнутая. Наносили мы рисунок на стены, не обращая внимания на окна, или дверные проемы.

Type Evolution

Мы разрабатывали дизайн для приглашений, билетов, сайта выставки «Wilfried Lentz?», на которой были представлены работы молодых современных художников. Мы снова оказались ограничены финансово, а нам нужно было придумать уникальный дизайн для каждого. Нам пришла мысль поиграть со шрифтами и мы решили разработать новую типографику. Разделив надпись пополам, мы использовали часть каждого шрифта для последующего автора. Так, у нас получились абсолютно новые шрифты, но с использованием старых трафаретов.

All-in-One

Оформляли опять же выставочное пространство TuttoBeNe в Милане. Мало того, что мы работали с небольшим бюджетом, так еще и заказчики настаивали на том, чтобы материалы соответствовали экологическим требованиям. И мы решили использовать предельно простые материалы: газету и скотч. С одной стороны мы использовали газету, как постер. С другой стороны, мы разработали целую систему навигации, указатели, даже обои – все из этих материалов. Мы нашли применение и такому качеству газетной бумаги, как «анти-глянцевость». Поскольку выставка была посвящена творчеству молодых дизайнеров, то мы тем самым противопоставили их работы общей экспозиции. А при помощи скотча отделили пространство.

Pre-Fab

На самом деле, мы любим работать в условиях жестких ограничений. Разрабатывали дизайн для магазина овощей и фруктов. Поскольку магазин ориентирован на натуральные продукты, то и в интерьере много натуральных материалов, в частности, фанера. Простым дыроколом мы сделали проколы на табличках-указателях, а также на основной вывеске с названием магазина «Warmoes Market». При увеличении шрифта названия положение отверстий не менялось. У нас получился интересный шрифт, а буква «О» напоминает спелую помидорку.

Основы жанра заложены в 16 веке, а веком спустя родился величайший поэт хокку – Мацуо Басё. Изображений его почти нет, современники нарисовали его довольно невыразительно. Но вот как изобразил Басё его последователь и великий поэт Бусон. Нам кажется, эта картинка более всего близка к правде:

Вечерним вьюнком
Я в плен захвачен…Недвижно
Стою в забытьи.

(Басё, пер. Веры Марковой)

Главное в хокку – передать мгновение. Такое, через которое раскрывается всё (весь мир в капельке росы). Это как состояние просветления в Дзен! Собственно, жанр хокку и появился в русле Дзен, ведь Басё помимо всего был мастером этого учения.

Вот одна из историй, которая иллюстрирует суть поэзии хокку.

Ходзё с горы Дайбай, встретившись с Басё, спросил у него:
– Что такое Будда?
– Твоё сознание, — ответил Басё, и Ходзё достиг полного просветления.

Дело в том, что сам образ наших мыслей сформирован языком, на котором мы говорим – это установили ученые-семиотики в 20 веке. Мы находимся в плену языка, и большинство людей не могут освободиться никогда (особенно это касается европейцев). Но наше сознание при этом – шире!

Французский философ Ролан Барт проник в самую суть хокку (и Дзен тоже) и перевел ее на понятный европейцу язык: «Существует момент, когда язык прерывается, как раз на этом беззвучном разрыве зиждется и истина Дзен, и краткая, пустая форму хокку».

Чистый родник!
Вверх побежал по моей ноге
Маленький краб.

(Басё, пер. Веры Марковой)

К чему это сказано? Да ни к чему! В хокку нет символики, принятой в европейской культуре, здесь бессмысленно искать вторые и третьи смыслы. «Хокку не есть некая богатая мысль, сведенная к краткой форме, оно есть краткое событие, которое вмиг находит единственно возможную форму выражения» – пояснил Барт, и далее – «…в хокку есть та же чистота, сферичность и пустота, что и в музыкальной ноте».

Вот это верно! Хокку гораздо ближе к музыке, чем к литературе.

Прижизненный портрет Басё, автор – поэт Сугияма Сампу.

Вернемся к Басё, который установил несколько поэтических принципов хокку.

Принцип «саби» – элегическая грусть и заброшенность, что-то сродни ностальгии…

Послышится вдруг «шорх-шорх»
В душе тоска шевельнется
Бамбук в морозную ночь.

(Басё, пер. Веры Марковой)

Другой принцип, «эген» – таинственность, загадка.

Замшелый могильный камень.
Под ним – наяву это или во сне? –
Голос шепчет молитвы.

(Басё, пер. Веры Марковой)

И принцип «киго» (буквально «сезонное слово») –  это использование слов, напрямую связанных со временем года.

В ладоши звонко хлопнул я.
А там, где эхо прозвучало,
Бледнеет летняя луна.

(Басё, пер. Веры Марковой)

Хотите попробовать написать хокку? Наш конкурс «Moleskine хокку» открыт! Делайте это легко, ведь хокку нельзя вымучивать. На эту тему такое есть наставление:

«Покуда идешь, – говорит дзенский учитель, – довольствуйся тем, что идешь. Когда сидишь, – тем, что ты сидишь. Но ничем не занимайся слишком долго!»

А можно и по-другому. Погрузившись в мир хокку, один мой знакомый решил даже завести Moleskine, где на каждой странице писать одно хокку. Можно даже отправиться странствовать с таким блокнотом – ведь в пути случаются невероятные вещи. Как, например, в этой дзенской истории, которая нам очень понравилась:

«Однажды в пути Басё проходил по одному уезду и слагал по дороге хокку. Было полнолуние. Все небо было залито светом, так что было светлее, чем днем. Было так светло, что Басё не стал искать гостиницы, а продолжал свой путь.

В одной деревне он набрел на группу людей, которые расположились на свежем воздухе за сакэ и закуской и наслаждались луной.

Басе остановился и стал наблюдать. Они как раз принялись слагать хокку, и Басё, весьма обрадованный тем, что искусство изящного» процветает даже в такой глуши, продолжал прислушиваться, как вдруг один простоватый парень из этой компании заметил его и воскликнул:  »Вон стоит монах, пилигрим с виду. Может быть, это нищенствующий монах, но все же позовем его, пусть присоединится к нам!»

Cтарый Басё, одетый для путешествия, его написал в 1693 году художник и поэт Морикава Кьорику.

Новолуние…

«Новолуние? Вздор! Какой глупец этот монах!» – крикнул один. – Ведь хокку должно быть о полнолунии». «Оставьте его, – возразил другой, – тем забавней». Они обступили Басё и стали подсмеиваться. Басё не смутился и досказал:

Новолуние!
С той поры я ждал – и вот
В нынешнюю ночь…

Все были поражены. Усевшись на места, они сказали: Не может быть, чтобы вы были обыкновенный монах, раз вы слагаете такие хокку! Позвольте узнать ваше имя?»
Басё с улыбкой ответил: “Меня зовут Басё”.

Для тех, кого «зацепило» – вот здесь неплохая статья о хокку (автор скрылся за подписью Fox), откуда мы взяли рассказ про принципы.

А тут эссе Ролана Барта о хокку – очень интересно!

В 30 годы, когда в архитектуре разрастался пафосный тоталитарный стиль, Аалто уже проектировал дома по природным законам. Он брал за основу лесистые холмы и горы, окруженные деревеньками – и переносил принципы пейзажа в свою работу.

В центре внимания Аалто – ощущения человека в природной среде. Если вам хорошо на берегу озера или в горах – надо понять, почему это так – и перенести понимание в архитектуру.

Шедевр Аалто есть в нашей стране – это библиотека в Выборге. Она построена в 1935 году, когда Выборг еще был финским. Это ее макет:

Читальный зал решен как горный пейзаж с крепостью на вершине и уступами, нисходящими в долины.

Свет должен падать на книгу с разных сторон. Рассеять свет, «разбросать» его по читальному залу помогают глубокие цилиндрические окна в крыше.

Лектора прекрасно слышно – его голос отражается от деревянных панелей волнистой формы.

Кстати, вот тут есть прекрасная экскурсия по библиотеке.

А вот и сам музей Аалто в Ювяскюля, в котором мы были. Он завершен в 1973 году. Фасады покрыты светлой керамикой, устойчивой к воздействию северной погоды:

Скамейка рядом с музеем сделана по чертежу Аалто – из гнутой фанеры.

Сайт музея Аалто В Ювяскюля: alvaraalto.fi/aaltomuseum.htm

Аалто не был живописцем в обычном понимании, но у него есть картины, сделанные из масляных красок и речного песка – в них угадываются природные ландшафты, виды с самолета, тени на различных поверхностях, женские формы, облака.

Дом построен, нужно обставить его мебелью. Только не надо пилить и сколачивать, надо гнуть и выращивать! Так, как это делает природа. Аалто придумал саму идею и  разработал технологию мебели из гнутой фанеры. Да-да, все эти изящные кресла и стулья скандинавского стиля – его разработка.

Взгляд тонет в лужах, в которых отражены небо и деревья… Сверкают на солнце огромные сосульки… Аалто придумал использовать эти формы для стеклянной посуды. Его знаменитые вазы, похожие на озера, впервые сделаны к финской выставке 1937 года в Париже.

Посетители музея могут поиграть с природными формами, сделанными по эскизам Аалто, находя красивые решения – то ли для холмов, то ли для идеально вписанных в пейзаж зданий.

Аалто в своих проектах иногда использовал кирпичи трапецивидной формы – ими можно выкладывать криволинейные поверхности. Кстати, на этом фото кирпичи лежат неправильно:

В музейном магазинчике рядом с альбомами и вазами Аалто – записные книжки Moleskine. Творческие предметы притягивают друг-друга!

А вообще-то в Ювяскюля 25 (!) зданий, спроектированных Алваром Аалто. Вот одно из них, на фоне надвигающегося дождя.

За свою довольно долгую жизнь Аалто сделал столько, что дух захватывает – и при этом все выглядит очень современно.

Мне надо остановиться, а для желающих – вот ресурс с картинками, посвященный Аалто, и вот тут еще неплохая статья. А  также: обзор с фотографиями и наконец – статья в питерском журнале Проектор (долистайте до стр. 14). Аалто стоит погружения ))

Итак, предлагаем вам мастер-класс на тему: как самостоятельно сделать эксклюзивный рисунок на обложке блокнота Moleskine. Кишиневский стритартер Дионис Макрий подготовил для нас небольшой урок по созданию рисунка в технике «трафарет»:

Дионис: «Четыре года назад я увидел на стене рисунок, на котором был изображён бомж и подпись «йа креведко». Следующие 2 недели мне постоянно попадались на глаза трафареты, и в один из дней я понял, что хочу этим заниматься. До сих пор не могу понять, почему я сразу не полез в сеть за информацией о том, как их делать»?

Для создания трафарета нам понадобятся: картинка, компьютер, принтер, канцелярский нож, скотч и пара баллончиков с разноцветной краской.

Для начала вам стоит решить, что вы хотите видеть на обложке вашего Молескина? Рисунок вы можете нарисовать сами или же найти любую картинку или фотографию в интернете. Скажем, старину Микки Мауса. И, чтобы упростить задачу, сделаем его черно-белым.

Определившись с картинкой, открываем изображение в Photoshop, находим вкладку «Изображение» – «Коррекция» – «Изогелия ». Это нужно для того, чтобы преобразовать цветное изображение в высококонтрастное черно-белое. И при помощи бегунка порога яркости настраиваем рисунок.

Далее распечатываем две копии изображения. Для чего две? Первая – для белого слоя, вторая – для черного. Если же вы задумаете делать цветной рисунок, то для каждого цветного слоя понадобится отдельная копия. В нашем случае рисунок черно-белый, поэтому и распечатки всего две.

Для первого, белого слоя вырезаем рисунок ровно по контуру. При этом, если вы собираетесь потом наносить темное изображение на, скажем, черную обложку, то вырезать контур стоит чуть-чуть больше самого рисунка. Это нужно для того, чтобы потом темный рисунок не сливался с цветом обложки. А для самого вырезания следует использовать канцелярский нож.

Далее вырезаем второй, черный слой. Иными словами, убираем из картинки все черное. Все детали. При этом не забывайте оставлять перемычки, на которых крепятся мелкие делали трафарета. Сразу скажем, работа эта кропотливая, требует терпения.

В итоге у нас получилось два трафарета для двух слоев – черного и белого. Перед тем как наносить рисунок на Молескин, рекомендуется вначале проверить, что получилось. Не пугайтесь измазать новенькие трафареты краской, их можно использовать повторно, и ни один раз. Итак, выбираем место, где можно протестировать наше художество. Лучше всего, конечно, делать это где-нибудь на улице – не в закрытом помещении. Но, разумеется, не на стенах общественных зданий, а на простом листе бумаги. Лично я выбрал задний дворик на своей работе, никто против не был. Кстати, желательно надеть резиновые перчатки и респиратор – все-таки работаем с краской.

При помощи скотча крепим трафарет для первого, белого слоя и красим.

После того как белый слой немного подсох – снимаем трафарет и крепим на получившийся белый образ трафарет №2 для черного цвета. Закрашиваем.

Если все в порядке – рисунок получился что надо, то можем переносить изображение на обложку вашего блокнота Moleskine. Получается примерно вот так:

В результате, вы самостоятельно сделали эксклюзивный дизайн обложки собственного Moleskine!

– Катя, ты рисуешь в блокнотах? Если да, то чем?

– В блокнотах я рисую, и очень люблю это дело. Ведь это самый лёгкий и замечательный вариант для путешествий. С этюдником, например, далеко не погуляешь. А я так люблю дальние прогулки – тут без блокнотика не обойтись! Столько впечатлений и вдохновения… И в маленьком формате можно выразить большие чувства )

Коктебель. Цветные гелевые ручки по цветной бумаге

Часто делаю сама себе блокноты, такие, как именно мне нужно. Например, с разноцветными плотными бумажками, разделённые на части, или просто белые, с картинками на обложке, или маленькие папочки с бумажками, планшетики… Раньше было вообще не раздобыть хорошего блокнота! Рисую простым карандашом, пастельными и акварельными карандашами, разными ручками, акварелью, гуашью и даже водорастворимым маслом.

Симеиз. Цветные гелевые ручки по цветной бумаге

– Я видел твою поздравительную открытку с компотами в банках – они очень вкусные, хотя и нарисованы фломастерами. А для тебя важны физические ощущения, которые рождает рисунок, живопись?

– Для меня важно то ощущение, которое я хочу передать! Какие ощущения рождает рисунок? Не знаю. Они оказываются у каждого свои, разные. Для меня в живописи более важны не физические ощущения, а духовные переживания.

Иллюстрации к книгам Анники Тор

– Ты иллюстрируешь книги. Только те, которые нравятся? Какая понравилась больше других?

– Иллюстрирую только те, которые нравятся! Невозможно рисовать то, что не полюбил. Мне нравится, как получились серия книг Анники Тор, Дневник кота-убийцы. Та книга, которая нравится больше других – наверное, ещё не сделана ) А тексты всех книжек, которые я делала – замечательные.

– Трудно рисовать портреты? С чего ты начинаешь, что важно в процессе?

– Портреты рисовать ОЧЕНЬ интересно. В сущности, даже, когда я рисую натюрморты, – это тоже немножко портреты ) Начинаю с образа. Что я вижу в человеке, хочется выявить самое главное, самое характерное. Технически, это, наверно, не очень сложно. Любой может научиться. Мне кажется, я могла бы довольно быстро объяснить, как рисовать «похоже».

Мадам Лю-Лю, книжная иллюстрация

Знаки осени. 2005 рисовая бумага, акварель

Но есть какие-то более тонкие вещи, которые не объяснишь словами. Можно только почувствовать, настроиться… Ведь, даже фотографии бывают похожи и не похожи, высвечивают разные черты человека, и очень зависят от прозорливости фотографа. Думаю, с помощью изобразительных средств, можно достичь высшего портрета!

– Ты училась где-то рисованию и живописи? Кто на тебя повлиял? Понятно, что главный источник чувств – жизнь… Но все-таки, какие художники тебя вдохновляют?

– Я училась в небезызвестном Московском Полиграфическом Институте. Там на моё творческое становление повлиял замечательный художник, каллиграф, дизайнер, и гениальный педагог Е.М. Добровинский. Мы и по сей день с ним очень дружны. До этого – детская художка, где тоже мне повезло учиться у Н.В. Истратовой (Ватагиной). Потом я самостоятельно училась рисовать на рисовой бумаге. Моими учителями были Ци Бай Ши, Ши Тао, современный китайский художник Ченг Чонг Чуань, и другие, чьи альбомы мне доводилось видеть. Из европейских художников – на меня повлияли все по порядку, начиная с импрессионистов, и заканчивая удивительными советскими художниками (не буду утомлять долгими перечислениями) Список любимых художников постоянно растёт и пополняется. Есть и ныне живущие художники, которые меня вдохновляют очень сильно!

Вот и дикая кошка… 2005, рисовая бумага, акварель

– Вернемся к технике. Когда ты в дороге, какие рисовальные принадлежности с тобой?

– 1. Самое лёгкое: пастельные карандаши + альбом с крафт или цветной бумагой. Или простой карандаш + белый блокнот. 2. Набор акварели + белила + кисточки и вода + альбомчик (предпочитаю тонированные бумажки). 3. Водорастворимое масло + цветные картоночки небольшого формата. Соорудила себе вместо этюдника лёгкий складной планшетик, с зажимом для бумажек с одной, и палитрой с другой стороны, который вешается на шею, – руки свободны, можно рисовать стоя.

Маленький поэт на большой реке

Маленький поэт на большой реке

Весна. Соколиное. 2009. Масло, цветная бумага с воском

Весна. Соколиное. 2009. Масло, цветная бумага с воском

– У тебя много работ на тончайшей рисовой бумаге. Причем, они большого формата! Что важно при работе с этим материалом? Поделись советами!

– Да, рисовую бумагу в поход особо не возьмёшь) При работе с рисовой бумагой важно научиться рисовать первую главную черту. Тогда все остальное получится. Технике китайской живописи тоже может научиться абсолютно любой человек, имеющий к этому делу любовь и терпение. Китайцы много веков назад разработали очень простую и чёткую систему обучения, которая актуальна и по сей день.

Рисовая бумага для меня – самый живой, самый безграничный материал, который может более ярко, чем все остальные, отобразить суть вещей. Где ещё такое значение имеет штрих и линия??

Синий стол, 2003, рисовая бумага, акварель

Лягушки. 2005 рисовая бумага, акварель

Старые ветви дерева, например, рисуются корявыми ломаными линиями сухой кистью. Нежные лепестки цветов – изящными влажными мазками, острые листья бамбука на ветру – быстрыми острыми ударами, трава – длинными штрихами с разным нажимом… Рисовать траву надо уметь так же естественно и непосредственно, как она растёт – в этом совершенство.

Особенность рисовой бумаги такова, что она не терпит никаких исправлений. Таким образом, каждый жест, каждый мазок, приобретает решающую значимость. Важно не потерять концентрацию до завершения картины.

– Катя, спасибо! Неожиданно получился маленький мастер-класс )

Страничка Кати Андреевой на fb: http://www.facebook.com/profile.php?id=100000819304639
Ресурсы, где можно посмотреть ее работы:
https://picasaweb.google.com/PablaKate/
http://illustrators.ru/users/id3548
Контакт: katiaandreeva@mail.ru

И так, у нас есть эскиз в Молескине, в масштабе 1:1. Приступаем к работе.

1. Для работы нам понадобятся: живичный скипидар и скипидарное масло (для разведения красок), ватные палочки (можно зубочистки и вату), беличьи кисти (мои, как видите, уже бывалые), перья, мастихин, надглазурные краски, тряпочка, спонжи, вата, маркер, мягкий карандаш, калька, скотч, стекло для палитры, фарфоровая тарелка диаметром 20 см., конечно же, эскиз в Молескине 1:1, и ещё (чего нет на фото): какой-нибудь тонкий, острый предмет и вспомогательная поддержка для рук (дощечка на ножках).

2. Переводим эскиз на кальку, без особых подробностей, только основные линии включая окружность. Затем кладем кальку лицевой стороной вниз на что-нибудь мягкое (тряпочку, например) и делаем проколы по контурам (на фото конечный результат).

3. Вырезаем то, что на кальке по окружности, в свободных пространствах между изображением, по краям, делаем надрезы (как бы вытачки). Это нужно для того, чтобы калька лучше легла в тарелку. Кладём кальку в тарелку лицевой стороной вверх, стараемся, чтобы она легла по форме, и приклеиваем небольшими кусочками скотча, не затрагивая рисунок. Если с обратной стороны тарелки имеются отверстия, чтобы вешать её на стену, тогда выравниваем в процессе кальку по этим отверстиям, чтобы в последствии рисунок не получился вверх ногами или наискось.

4. Проводим маркером по линиям, слегка нажимая.

5. Снимаем кальку, получаем переведённое изображение. Далее можно карандашом нарисовать остальные линии. Но я этого делать не буду, т.к. нарисую всё сразу пером. Если какая-то линия пойдёт не так, её можно стереть с помощью скипидара, и нарисовать новую. И ещё: в процессе работы, возможно, мне захочется что-то изменить, сделать не так, как на эскизе, – это вполне допустимо, когда работа творческая.

6. Отрисовываем пером контур. Краска должна быть заранее приготовлена. Для этого мы берём порошок нужного цвета, в небольшом количестве, добавляем туда скипидар, скипидарное масло на кончике мастихина, и перетираем до однородной массы. Для росписи пером делаем её пожиже. Затем набираем краску на перо и пробуем сначала, например, по краям тарелки порисовать линии, – чтобы посмотреть, хорошо ли краска проходит через перо, получается ли нужная линия. Если что-то не устраивает, то нужно либо сделать краску пожиже, либо наоборот погуще, а может, масла слишком много или, наоборот, слишком мало, или краска плохо перетёрта…

7 – 7а. Чтобы получить оттенок, которого нет в наших красках, мы смешиваем два (или более) цвета.

8. Завершая первый предобжиговый этап, нанесём цвет в намеченных местах. Аккуратно, стараясь, чтобы не растёкся уже проложенный контур. Опять же, проверим сначала, так ли, как нам надо ложиться краска.

9. Лишнее стираем, с помощью палочки и ватки, смоченной в скипидаре. Придаём рисунку более аккуратный вид. Стираем наши пробы по краям тарелки, следы от пальцев, какие-то образовавшиеся в процессе работы ненужные разводы с лицевой и задней части тарелки, – иначе после обжига вся эта ненужная грязь может остаться на тарелке и уже не смоется. Первый этап закончен. Тарелку ставим в обжиг на 800 градусов.

10. После обжига мы можем продолжить работу, не боясь испортить уже нанесённый рисунок. Разводим жидкую охру, добавляем побольше масла, и с помощью спонжа равномерно наносим на тарелку, постепенно сводя цвет на нет.

11. Там, где нам этот цвет не нужен, мы стираем краску.

12. Теперь разводим нужные краски очень жидко, с большим добавлением масла, и заливаем цветом то, что осталось.

13. Ставим в печь на обжиг.

14. Готово!

Я нарисовала портрет бульдога.
Английский бульдог обладает ярко выраженной индивидуальностью и считается национальной собакой Англии, воплощая черты, часто приписываемые «истинному джентльмену»: основательность, невозмутимость, консервативность, некоторую флегматичность, с одной стороны, и аристократизм, респектабельность в сочетании с импозантностью и грубоватой элегантностью, с другой.

С конца XVIII века бульдоги стали появляться на полотнах английских живописцев. Часто это были жанровые сценки, изображающие буль-бейтинг.
Лев Толстой в «Третью русскую книгу для чтения» (1875) включил цикл коротких рассказов о своём любимце чёрном бульдоге Бульке, которого держал, когда был юнкером. Бульдогу посвящена песня Hey Bulldog  с альбома
Yellow Submarine (The Beatles, 1969).

Для рисунка нам понадобятся: бульдог, тушь, перо, карандаш и акварель.

Делаем подготовительный рисунок карандашом.

Уточняем детали тушью.

Последний этап- легкая акварельная заливка.

Я хочу вам рассказать, как можно нарисовать иллюстрацию для печати на футболке.

С чего начать? Начать лучше с темы. Что вы хотите увидеть на своей будущей футболке: просто веселую картинку, чтобы вызвать улыбку, или это должны быть грозная надпись, или какой-то фрагмент, или силуэт, или сочетание всего этого разом =) Решайте сами!

Так как я чаще всего рисую на заказ, то  привыкла уже делать это в любое время и в любом месте. С Moleskine это очень удобно, потому как он компактный, закругленные края ни за что не цепляются, а твердый переплет позволяет делать эскизы и зарисовки хоть на коленке.

И так, рисуем! В этот раз я решила сделать небольшой скетч веселой утки и ее друга. Я рисую карандашом, поэтому в случае сомнений всегда можно стереть и переделать (с линером или ручкой такой возможности нет, так что нужно быть внимательнее). Сделав линейный набросок  можно приступать к более детальной прорисовке. Когда уже вы решили, что пора заканчивать, то заканчивать можно было еще 100 линий назад, так что, и правда пора =)

А дальше в дело вступает компьютер. Сканируем изображение – затем трассируем (в Illustrator-e для переведения в вектор), если же печать не требует большого размера, то можно оставить растр. И тут уж совсем все просто: раскрашиваем кистями, или чем вам больше нравится (можно делать квадратики и заливаем их), и все готово.

Главное выставить нужное разрешение и учесть требования шелкографии для печати (это лучше узнать у работников «цеха» в котором будете печатать, так как у многих довольно разные требования, да и сама техника тоже)

И все! Можно нести печатать и потом на озеро… Лето, жара, всем отличного настроения, а главное – носите с довольствием, то, что вы сделали своими руками!

Ирина Маковеева, заслуженный художник России, работающий во многих техниках, делится с читателями My Moleskine.ru профессиональными секретами создания эстампа, то есть оттиска, полученного с печатной формы, награвированной автором:

Ирина Маковеева

Из статьи Эстамп

Фотографии Марка Журавского

Эстамп (от франц. Estampe) – резная или травлёная на меди или стали

и отпечатанная на бумаге картина. (Из Толкого словаря Владимира Даля).

История эстампа насчитывает несколько сотен лет, и за это время возникли различные виды гравирования, испробованы различные материалы для печатных форм, были усовершенствованы технологии, придуманы рецепты изготовления бумаги, краски.

Эстампом мы называем оттиск, полученный с печатной формы, награвированной автором. Материалы печатных форм могут быть разные. Это и дерево (ксилография), камень (литография), линолеум (линогравюра), металл (гравюра на металле, офорт, сухая игла, меццо-тинто) и другие.

Создание эстампов – процесс многодельный, состоящий из многих операций, требующий различных подготовительных работ и серьёзного оснащения мастерской. Каждая операция требует особых знаний, навыков обращения с разными материалами: металлом и бумагой, кислотой и красками, клеем и деревом, нужно и умение работать на офортном станке. Небрежность и некачественное исполнение на любом этапе работы испортит конечный результат – наш эстамп. Именно поэтому у художников эстампа, как правило, вырабатываются очень ценные качества: терпение, аккуратность, собранность. Начинающий, не имеющий этих ценных качеств, не должен отчаиваться, в процессе работы приобретёт их и будет вознаграждён радостью творчества, новыми открытиями, благодарностью родных и близких за прекрасные подарки – авторские эстампы.

Во время учёбы в институте, и позже в Доме творчества «Челюскинская» у меня была возможность поработать в различных графических техниках, попробовать различные материалы для создания эстампа. Многие художники выбирают классический офорт, акватинту и другие техники, связанные с процессом травления кислотой. Для меня интереснее гравирование инструментами вручную, так как это отдалённо напоминает рисование и позволяет применить его приёмы, поэтому я выбрала «сухую иглу» и меццо-тинто.

Сухая игла

Отличительная особенность этой манеры в том, что гравирование производится механическим способом острыми стальными иглами непосредственно на металле и не связано с применением травящих жидкостей (отсюда и название). Относится к виду глубокой печати (изображение оттискивается из углублённых мест печатной формы). Оттиск гравюры сухой иглы отличается исключительно красивым, сочным и бархатистым штрихом, подобного которому нет ни в одной из других манер.

Различные виды печатной графики требуют различные способы печати. Монотипия, ксилография и линогравюра небольших размеров печатаются простым ручным способом (используют специальный валик, применяемый для ручной фотопечати, или простую ложку), В литографии необходим специальный литографский станок. Для печати гравюры на металле (офорт, сухая игла, меццо-тинто и другие) используется офортный станок.

Наиболее распространёнными видами металла для гравирования являются цинк, медь, латунь

Гравирование

Приступаем к гравированию. Как правило, перед гравированием у меня есть готовый эскиз. Для перенесения эскиза на пластину металла необходимо сделать негативное (зеркальное) изображение. Калька очень подходит для этой задачи. На неё я переношу контур эскиза, поворачиваю обратной стороной, обвожу.

Инструменты для сухой иглы представляют собой стержни с насадками из очень твёрдого металла. Гравирование ими требует известных усилий. Чем глубже царапина, тем темнее получается след на оттиске после печати.

Подготовка бумаги

Для печати используется специальная бумага непроклеенная или слабопроклеенная, хорошо впитывающая влагу.

Краска

Для печати использую специальную уже готовую офортную краску, напоминающую типографскую, различных цветов.

Наношу краску на подогретую пластину очень аккуратно, что бы не повредить поверхность. Затем ладонью снимаю излишки краски, оставляю её только в штрихах. Вытираю чистой тряпкой фаски.

Печать. Пробный оттиск

Пробный оттиск я делаю, когда мне кажется, что готова печатная форма, или я не знаю, что делать дальше. К этому моменту:

– станок должен быть настроен

– сукно заведено под вал

– давление установлено с учётом толщины пластины и бумаги

– сделана разметка на талере, где должна находиться печатная форма или лежит картонная подкладка.

– сделана разметка по формату бумаги (если взяли бумагу чуть больше, чем пластина, я кладу её «на глазок»).

– подготовлено место для отпечатанного оттиска столе

– бумага «подвяла»

Я кладу пластину сверху на талер, аккуратно беру бумагу, размещаю её лицевой стороной на пластину. Бережно накрываю сукном и начинаю поворачивать колесо офортного станка с равномерной скоростью. Когда чувствую, что пластина и бумага прошли под валом, останавливаю движение. Поднимаю сукно, и наступает самый волнующий момент: осторожно, затаив дыхание, за один уголок поднимаю бумагу и…вздох восторга, (чаще разочарования), но всегда неожиданности! Долго рассматриваю оттиск и пытаюсь осмыслить результат, и что ещё с этим можно сделать (убавить, прибавить).

Наклеивание напечатанных оттисков

После окончания печати тиража оттиски наклеиваются на стекло. Для этого я использую клей ПВА. Щетинной кистью намазываю клей на края бумаги с обратной стороны оттиска, затем накладываю её на чистое стекло и тщательно притираю края плоским инструментом. Края не должны отходить от стекла, в противном случае бумага при высыхании покоробится.

О количестве копий

Заявление тиража (количество одинаковых оттисков) – это право автора. Самый ценный тираж 1/1. Я использую основное свойство и смысл гравюры – возможность тиражирования. Эта демократичность печатной графики делает её доступной многим любителям. Как правило, сама я делаю 100 копий,

В рамках небольшой статьи невозможно описать весь процесс создания эстампа, весь свой накопленный опыт. Читатели, заинтересовавшиеся этим видом графики, могут найти ответы на свои вопросы в книгах:

«Офорт» В.М.Звонцов, В.И.Шистко Москва 1971 Издательство «Искусство».

«Эстамп» Л.Зорин Москва АСТ Астрель 2004.

«ГРАВЮРА» Йорди Катафал, Клара Олива Москва 2010 Художественно-педагогическое издательство.

Готовый эстамп

Эстамп всегда уместен в интерьере, хорош как подарок. Как и всякий вид изобразительного искусства, эстамп прошёл времена наибольшего расцвета и почти забвения. В наше время наблюдается повышение интереса к графическому искусству вообще и к эстампу в частности. Проводятся специализированные выставки графики, биеннале ярмарки и фестивали графических искусств (в Москве – «ХУДГРАФ», в Петербурге – «Любитель эстампов»), Триеннале графики в Краснодаре. Недавно был создан Дом Графики имени Д. Ровинского и проведён конкурс для молодых художников «Классический эстамп».

Удивительное свойство эстампа сочетаться с любым стилем, быть органичным в любом пространстве используется дизайнерами интерьера. Как правило, эстампы помещают в кабинетах, библиотеках, в детских комнатах. Доступность стоимости эстампа, множество тем и разнообразие техник предоставляют безграничные возможности в формировании собственного выставочного фонда, а также использовать в качестве изысканного подарка.

Заканчивая статью, хочется пожелать всем любителям эстампа, художникам-профессионалам и начинающим творческих радостей и бесконечного наслаждения этим замечательным видом искусства – эстампом.

Познакомиться с полной версией статьи и посмотреть другие работы Ирины Маковевой можно на сайте www. artlib.ru.

Поэтому я решила его нарисовать.

Выбираю момент, когда кот не против позирования. Пристраиваюсь с молескином и ручкой. Торопливо фиксирую на бумаге главные части морды: уши, нос, глаза, рот, подбородок и брови.

Стараюсь уловить выражение морды. Кажется, мне это удаётся.

Приступаю к схематичному изображению тёмных и палевых полос. Рисую усы.

Завершаю разрисовывание морды тёмными и светлыми полосами. Изображаю пух на ушах и на лбу.

Беру гуашь, подбираю-смешиваю цвета: палевый и тёмно-серый – для морды, светло-розовый – для носа, тёмно-голубой – для глаз. Раскрашиваю кота.

Портрет готов.

1. Выбрать бар или кафе, в котором вы бы хотели порисовать. В данном случае это будет бар Терминал на улице Рубинштейна.

Подобрать интересующий вас ракурс. Сесть желательно не в очень темное место.

2. Приступить к работе. Мысленно представить себе композицию в листе. Поскольку я рисую линером, то, чтобы не делать лишних линий, условные границы придется запомнить, пока до них не дойдет дело.

3. Наметить расположение основного лица в листе.

4. Наметить какие-нибудь детали/направляющие интерьера.

5.Наметить остальных присутствующих на картинке.

6. Обозначить цветовые акценты.

7. Продолжать работать с цветом и одновременно прорисовывать детали.

8. Отсканировать результат.

9. В фотошопе поработать градиентами, утихомирить слишком яркие цвета (в баре-то было темно, и плохо видно, что в точности получается)

– Зачем организована Coolschool и что там происходит, вкратце?

– Какое из рекламных агентств не сталкивалось с проблемой подбора кадров! А когда речь идет о молодых специалистах – это просто «праздник какой-то»: опыта, практики – чуть (чтобы не сказать ноль), зато требований!.. Я не считаю пороком амбиции творческой личности, но, согласитесь – то образование, которое дается сегодня дизайнерам, рекламистам и маркетологам, прекрасно только с точки зрения теории… Но ведь для реальной работы нужны специалисты, а не ученики. Было бы неплохо, если бы их поучил кто-то опытный, уважаемый и, главное – практик. Собственно, этот тезис и стал толчком к созданию Coolschool – нового проекта Всеукраинской рекламной коалиции и SAKSONIA advertising agency.

– Что же такое Coolschool, «крутая школа»?

– Это модульная система повышения квалификации рекламистов, дизайнеров и бренд-менеджеров, где преподают только успешные практикующие специалисты. Каждый из преподавателей является, в том числе и работодателем, понимающим, что образование в специализированных «вышках» дает только теоретические знания, а кадры для рынка нужно готовить на практике. Coolschool – это 90% практической работы с комментариями, правками, замечаниями квалифицированных тренеров, обменом опытом и выработкой совместных решений.

Здесь и далее – работы, сделанные в июле 2009 в Евпатории, на кампусе Coolschool: проекты брендов обуви для молодежной аудитории – в форме боди-арта.

– Какие гуру там выступают, чему учат?

– Тренерами Coolschool уже выступали Леонид Фейгин, Маргарита Васильева, Андрей Надеин, Мартин Аллес, Андрей Андрющенко, Татьяна Попова, Вадим Пустотин, Анже Йереб, Юрко Гуцуляк, Иван Сухаренко.

– Какие темы?
– Были следующие модули. Летом 2009 Coolschool «стартовала» в Евпатории с такими темами: дизайн как коммуникация, комплексный подход к дизайну больших корпоративных стилей, дизайн в рекламе, имя, символ, логотип, критерии хорошего имени и хорошего логотипа, реклама с фокусом на торговой марке – как это делается и зачем это надо, история, сюжет, персонаж. Еще несколько модулей было осенью и зимой.

– Откуда взялась сама идея летнего творческого лагеря?

– Залюбовавшись красотой решения Драгана Сагана под именем IDEAS CAMPUS (в Словении), мы с Максимом Лазебником, исполнительным директором Всеукраинской рекламной коалиции в 2002 году решили организовать первый в СНГ креативный кампус для работников рекламно-маркетинговой сферы. Нас тогда поддержал Video International Украина, Валик Перция придумал имя ADDRIVE, а приглашенные мной в качестве ведущих ребята из экс-КВН ХАИ Игорь Диденко и Глеб Тимошенко создали тот неповторимый дух бесшабашного веселья и радости, которым так славен ADDRIVE.

Однако с годами мы увидели, что кампус все больше превращается в клуб веселых рекламистов и все меньше в нем образовательной составляющей. Поэтому мы создали отдельный образовательный проект Coolschool, а ADDRIVE ждет своего переосмысления…

– Когда следующая Coolschool, и как можно присоединиться?

– Летний кампус Coolschool состоится 15 – 19 июля в Крыму – в Ялте, отеле «Крымский», Массандра. Четверо суток будут идти практические работы по созданию рекламной кампании, разработке рекламных продуктов (видео, принт, аудио), представлению и продаже работы заказчику и правильной постановке ТЗ продакшин студии. Не то, чтобы 24 часа в сутки, но, как и в реальных агентствах, работать все будут очень много!

– А из России приехать можно?

– Безусловно. Наши проекты, как-то сразу становятся международными. Уже в первой Летней Школе были не только украинцы, но и россияне и белорусы. Белорусы вообще с завидным постоянством ездят на каждый модуль Coolschool (тьфу-тьфу, чтоб не сглазить). Надеемся, как только заработает новый сайт, начнем активно расширять географию Школы.

– Что за проекты делают ребята?

– Очень радостно смотреть, как за три-четыре дня команда из незнакомых людей создает вполне готовую к презентации заказчику торговую марку. Споря, «набивая шишки», без сна, практически, с огромным драйвом и воодушевлением, совершая ровно те же ошибки, что и реальные рекламные агентства в реальных тендерах, что ценно (в разборе таких ошибок и формируется навык). Но при этом создавая в сжатые сроки не только креатив, но и дизайн. Как минимум, вполне приличные эскизы.

– Что нужно, чтобы раскрылось творческое начало в людях?

– Их нужно любить. И верить в их талант. Поскольку бездарных людей не бывает, бывают «нераскрывшиеся». Ну, и, конечно же, человек должен Хотеть, Стремиться и Чувствовать. Это мы тоже пытаемся развивать в наших слушателях.

– Тебе самой это для чего?

– Надо же куда-то пристраивать свои знания-умения! «Делай добро и бросай его в воду».
И Васильева, и Логвин, и Фейгин, и Ганжа, и многие отличные успешные профессионалы, по всему миру ездят и людей учат – зачем? Чтобы рынок был более профессиональным, чтобы заказчики понимали, какой это большой труд, чтобы легче дышалось тем, кто любит свою работу, имя которой Реклама.

– Спасибо, удачи вашему проекту!

Рисунки участников Coolschool 2009 в кампусном Молескине:

Для тех, кто заинтересовался: в это лето кампус Coolschool состоится 15 – 19 июля в Крыму: Ялта, отель «Крымский», Массандра.  Программа здесь. 
Официальный сайт Coolschool: http://www.coolschool.com.ua

Татьяна, страшно выходить на сцену?

Страшно. Всегда. Но только первые три секунды. Дальше уже включаешься, и забываешь обо всем, кроме роли. Кстати, самое трудное – это январские после-праздничные залы. Все сидят и молчат. Ужас. Ты на ушах ходишь, а они молчат. Друзья-актеры говорят: «Наверное, салат переваривают!»

А имеет ли значение персонаж? Трудно было изображать мальчика Эмиля в «Проделках Эмиля»?

Да нет, всегда ведь играешь характер! С Эмилем самое трудное было… спрятать бюст. Мне его буквально размазывали по телу. Кстати, Денис Зайцев и Сергей Козик, мои приятели-партнеры, любили за кулисами подойти с двух сторон, и хором сказать «Здравствуй, мальчик!» При этом каждый самым дружеским образом клал мне руку на грудь. А потом они как ни в чем не бывало шли дальше.

Ты играла Сесиль в пьесе Уальда «Как важно быть серьезным». Обычно для этой роли выбирают субтильных «романтических» актрис…

Ну да, я не самая субтильная актриса! Зато мы с Артуром Вахой (он играл самого серьезного Эрнеста) до двухсотого, юбилейного спектакля всего несколько раз не доиграли. Очень была популярная пьеса. Оскар Уальд дал своей героине живой, искренний характер, и нигде не указал, какого она телосложения или теловычитания. Зато у нее ярко выраженная индивидуальность, и это приятно подчеркнуть:

 «Сесиль, почему у вас рука завязана?»

 «А я с дуба упала!»  

И рассказать историю про дуб.

А какую роль хотелось бы сыграть?

Я хотела сыграть Гертруду в « Гамлете». Мне всегда казалось, что в знаменитом фильме Козинцева Гертруда ведет себя неправильно, как-то напыщенно.  По моему, она разрывается: любит Клавдия, и Гамлета не может не любить – сын все-таки… «Ах, Гамлет, сердце рвется пополам…» Ей сочувствуешь по человечески, она ведь живая и не виновата, что королева!  

Кстати, я думала, что интересно было бы собрать актеров с амплуа комиков и поставить трагическую пьесу. Чисто теоретически: представьте «Гамлет» или «Король Лир», в главных ролях – Никулин, Крамаров и Вицин. А что, классно бы получилось!

Импровизируешь ли ты на сцене?

Обязательно. Есть актеры-технари, они работают строго по роли. А есть такие, которые всегда отдаются потоку импровизации, пусть и в рамках спектакля. Мы с партнерами всегда импровизируем. Только вот с залом заигрывать нельзя. Ваха один раз обыграл телефон: в зале раздался звонок, и Артур захлопал себя по карманам, дескать, мой или не мой мобильник запел? А зритель ответил. И начался диалог! Так и спектакль недолго сорвать.

Бывает, что импровизировать приходится не от  хорошей жизни: как то раз реквизиторы не принесли мне на сцену полагающиеся по роли магнитофон и бутылку вина. Мне с ними работать, а ничего нет! Уж я тянула-тянула время, пока их в панике не принесли… Измучилась. Все нужно проверять.

Устаешь? Нагрузка в театре большая?

Большая. В Англии по физическим нагрузкам актер приравнивается к шахтеру. Вон, в спектакле «Подвенечная фата Перетты» практически все действие – сплошные танцы. Прям балет какой-то! Но интересно конечно.  Кстати, наш преподаватель по сценическому движению говорил, что если актер, наклоняясь, перестал доставать пол ладонями – он больше не актер. У меня, к счастью, связки хорошие от природы, на шпагат сажусь легко, и канкан могу изобразить. Хотя в «Женитьбе Бальзаминова», которую поставил «Приют комедиантов» играю рассыпчатую  купчиху Белотелову ( Бальзаминов на ней в финале и женится).  Очень интересный спектакль: Бальзаминов и маменька – классические, а все остальное – буффанада, клоунские штучки. Там и грим соответствующий.

Расскажи про грим.

Смешные губы – клоунские – сделать очень просто: посередине рисуем сердечко, его зрители и увидят. Для сцены нужны контрастные насыщенные цвета, иначе никто ничего не разглядит.

Татьяна рассказывает и рисует в редакционном Молескине:

А если хочется губы a la Марлен Дитрих, то вниз от уголков губ по складочкам рисуют полоски, выходящие за контур. И потом закрашивают и губы, и эту «дополнительную площадь»:

Губы и глаза наводим всегда. Вот попробуем изобразить глазик, хоть и кривенько. Бровь соболиную нарисуем… Короче, глаз закрашивают от темного внешнего угла к светлому. Под бровь никогда грим не кладут, а то она зрительно будет нависать. И – секретный ход —в уголок глаза наносим малюсенькую красную точечку. Глаз будет блестеть! На скулу под глазом – белые тени, чтобы усилить эффект.

Румяна: чуть-чуть тронуть кисточкой кончик носика, лоб у контура волос и низ подбородка. Это дает свежесть. Мочки ушей тоже иногда румянят. А если хочется носик попрямее сделать – темной пудрой мазнуть с боков.

Спасибо, Татьяна!  Твои советы настолько любопытны, что хочется их немедленно записать в молескин!

Итак, я начала с разметки страницы. Не слишком подробной, просто чтобы начать. Я люблю, чтобы всё происходило постепенно. Чтобы рисунок сам открывался мне.

Я человек нетерпеливый и обычно мне хочется поскорее приступить к делу. Начинаю рисовать по кусочкам и частям. Рисую каждую карточку как отдельную картину. Использую, главным образом цветные шариковые ручки и цветной карандаш. Ах, авиалинии Бангладеш. Да, это был интересный полёт. Но очень дешёвый. Очень дешёвый.

Вот когда я посмотрела на эти красные и жёлтые цвета авиалинии Бангладеш, я и подумала, что этот коллаж неплохо бы зарисовать для Молескина. Я люблю яркие цвета, как в поп-арте. Оооо, Британская Колумбия и Альберта. Наверное, до сих пор это мои самые любимые места.

Рисовать всё это, конечно, не так уж сложно, но в эмоциональном смысле – определённый вызов. Это один из самых эмоциональных рисунков, которые я когда-либо создавала.

Пока я собирала все эти карточки, я вспоминала все эти места и людей из прошлого, всё, что осталось позади. Всё, что я делала. Хорошее и такое, с чем не очень-то легко жить.

А ещё есть вещи и места, которые я никогда бы не вспомнила, если бы не начала рисовать. Большинство этих карточек и билетов – из времён 1991-1996 годов. И я столько забыла из тех времён. Частичное выпадение памяти, что ли. И что-то есть в этом символическое, какой-то катарсис происходит, когда я вот так перерисовываю всё это в молескин.

Возвращаюсь к рисунку. Добавим ещё кое-что: зелёную визитку из Кох Фанган, на которой есть карта острова. Не знаю почему, но мне ужасно нравится рисовать все эти мелкие детали: телефонный номер от руки, пятна. Если бы не начала рисовать, никогда бы не заметила эти малюсенькие детали. Именно они дают вдохновение, чтобы плыть дальше.

К этому времени, однако, некоторые вещи начинают меня раздражать. Зря я добавила комикс, и карточка Jasper Taxi действует на нервы. Но мне нравится розовая карточка SP Resort. Это я рисую розовым карандашом и шариковой ручкой. Думаю, получается. И ещё, я люблю жёлтые, которые начала рисовать жёлтой шариковой ручкой, а закончила карандашом.

Чёрт подери, когда и как я получила эту карточку из канадской конной полиции?! Я, конечно, была немного дикая, но не помню, чтобы меня арестовывали! В Канаде! Конная полиция! Такое уж точно не забывается. А, кстати, где находится этот Nyah Village Caravan Park?

Ага, в Австралии. Но я же там никогда не была. Кто мне подарил эту карточку? Как я её заполучила? Люблю такие вопросы, даже если, скорее всего, не смогу найти на них ответа.

К этому времени мне уже очень хочется закончить рисовать, но я всё хожу вокруг да около и думаю о том, какую последнюю вещь следует добавить и куда её поместить. Тут, наверное, надо просто перестать думать и просто нарисовать что-нибудь. Что угодно. Вот карточка из ванкуверского книжного магазина. На четыре дня туда приехала, и угораздило меня в первый же вечер отравиться китайской едой… остаток поездки вообще не выходила из мотеля. Ванная там специфическая… интересно, зачем я вам про это рассказываю…

Нет, я не рисовала фотографию моих родителей. Я не настолько хорошо рисую! Но эта фотография – причина всей затеи. Я действительно хотела поместить её к себе в молескин. Всегда хотела.

И  долго выбирала, куда бы её приклеить. Может, спрятать за ней Ванкувер? Нет, Jasper Taxi раздражает меня куда больше, так что вот ей и пропадать. К сожалению, часть розового тона тоже скроется, но… в процессе появления рисунка вещи должны не только появляться, но и пропадать. Я так считаю. И я думаю, что когда вечером завалюсь спать, Jasper Taxi будет стоять у меня перед глазами. Не иначе.

Ну, вот и всё. Закончила. Finito.

Поэтому всем, кто считает, что в век 3D-графики из цветных брусочков катают колбаски только в детском саду, хочу представить иллюстратора Барбару Рейд.

Барбара живет и работает в Торонто. В детстве она собиралась стать писателем, но когда поняла, что рисовать ей нравиться гораздо больше, чем сочинять, поступила в Ontario College of Art and Design. И правильно сделала, ведь теперь она не только пишет книжки, но и сама их иллюстрирует.

Во время учебы в колледже она ради шутки попробовала сделать иллюстрацию из пластилина. Шутка удалась: все окружающие смеялись, а Барбара поняла, что нашла свой стиль. Которому с тех пор не изменила ни разу.

Картинки Барбары выразительны и эмоциональны, и дело тут не только в цвете пластилина: техника пластилиновой иллюстрации и талант художницы позволяют ей сочетать графические приемы живописи и передавать фактуру, как в настоящей скульптуре.

Барбара иллюстрирует книги для детей, дает мастер-классы и издает книги о работе с пластилином. Сама она говорит, что пластилиновые иллюстрации должны быть, в первую очередь, приятны детям. Ведь, если живописная картинка не ясно, как сделана, то с пластилиновой все просто и наглядно. Тем более, дети сами могут сделать почти такие же в садике или дома.

Барбара обладатель множества профессиональных призов. Ее книги публикуются в Канаде, США, Великобритании, Австралии, Новой Зеландии, Голландии, Финляндии, Норвегии, Китая, Германии и Таиланде.

А вот один из видео мастер-классов Барбары:

А пока материал готовится в печать, Елена любезно поделилась с читателями  «Мой Молескин»  отрывком из будущей книги «Техника акварели. Мастер-класс Елены Базановой»:

1. Натюрморт с гранатами (фото). Новая постановка для старой темы.

Идея натюрморта заложена в  решении сложной живописной задачи.

Всегда считалось, что столкновение противоположных контрастных цветов – это очень дерзкая идея для живописи. Я же сталкиваю в своём натюрморте самые радикальные цвета: темный изумрудно-зеленый цвет фона и яркий краплачно-красный цвет гранатов. Написание каждого из этих цветов самого по себе (решение тепло-холодности и светотени внутри самого цвета) составляет очень непростую задачу, а в этом натюрморте она усилена столкновением этих противоположных  цветов, что заставит меня искать их соединения в тенях, т.к. предметы и фон всегда рефлексируют друг с другом.

2. Начало первого сеанса живописи.

3. «Вливание» краски в мокрое пятно тёмного фона.

5. Живопись тёмного фона.

6. Постепенное моделирование света и тени в тёмно-зелёном поле фона.

7. Корректировка контуров гранатов кистью малого размера.

8. «Списывание» контуров с фоном в тенях широкой влажной кистью. Так получается «цветовая подложка» под живопись красных фруктов. Это даёт хорошую возможность писать лессировками сложные тени.

9. Подсушивание живописи феном.

10. Живопись краплачно-красного цвета гранатов.

11. Завершение первого сеанса. Натяжка бумаги на пластик с помощью бумажной клеящей ленты. Во время следующих двух сеансов делается сложная деталировка формы, пространства, цветовых отношений.

Фрагмент 1.

Фрагмент 2.

Фрагмент 3.

А вот, итог работы – завершенный натюрморт Елены  Базановой «Гранаты», 27,5х73, акварель, бумага, 2005.